마르크 샤갈(Marc Chagall, 1887-1985)은 20세기를 대표하는 화가로, '색채의 마술사'라는 별명을 가진 러시아 태생의 프랑스 화가입니다. 그는 98년의 긴 생애 동안 회화, 판화, 스테인드글라스, 무대 디자인, 도자기 등 다양한 분야에서 약 10,000점 이상의 작품을 남겼으며, 초현실주의와 표현주의를 넘나드는 독창적인 화풍으로 전 세계인의 사랑을 받았습니다. 샤갈의 작품은 러시아의 고향 비테프스크에 대한 향수, 평생의 뮤즈였던 아내 벨라와의 사랑, 유대인으로서의 정체성, 성서적 메시지 등을 몽환적이고 시적인 이미지로 표현하여 보는 이들에게 깊은 감동을 전해줍니다.
샤갈의 그림은 중력의 법칙을 거스르는 듯한 날아다니는 인물들, 동화 같은 상상 속의 동물들, 화려하고 강렬한 색채, 비현실적이면서도 서정적인 구도가 특징입니다. 그의 캔버스에서는 사랑하는 연인이 하늘을 날고, 염소가 바이올린을 켜며, 꽃다발이 분수처럼 솟아오릅니다. 이러한 환상적 이미지들은 단순한 상상이 아니라, 샤갈이 평생 간직했던 고향에 대한 그리움, 사랑하는 사람과의 행복, 전쟁과 박해 속에서도 잃지 않았던 희망과 인간애를 상징적으로 표현한 것입니다.
샤갈의 생애와 예술 세계
고향 비테프스크와 유대인 정체성
마르크 샤갈은 1887년 7월 7일 러시아 제국 벨라루스의 비테프스크에서 가난한 유대인 가정의 9남매 중 장남으로 태어났습니다. 본명은 모이셰 세갈(Moyshe Segal)이었으며, 아버지는 청어 상인 밑에서 일했고 어머니는 작은 잡화점을 운영했습니다. 당시 비테프스크는 유대인에 대한 탄압이 심했던 지역으로, 유대인들은 강제로 특정 지역에만 거주할 수 있었습니다. 이러한 환경에서 자란 샤갈은 고향에 대한 복잡한 감정을 평생 간직했습니다.
비테프스크는 인구 5만 명 중 절반이 유대인이었으며, 정교회 교회와 유대교 회당이 공존하는 독특한 분위기의 도시였습니다. 샤갈은 이곳에서 러시아 민간 설화, 유대교의 종교적 전통, 마을의 소박한 풍경을 경험했고, 이는 그의 예술 세계를 형성하는 근간이 되었습니다. 그는 훗날 "내 사랑하는 마을 비테프스크, 나는 이제 너와 살지 않지만, 네 즐거움과 슬픔이 반영되지 않은 내 그림은 단 하나도 없어"라고 고백했습니다.
파리 유학과 예술적 성장
1910년, 23세의 샤갈은 후원자의 재정 지원을 받아 예술의 도시 파리로 유학을 떠났습니다. 파리에서 그는 입체파(큐비즘), 야수파(포비즘), 표현주의 등 당시 유럽을 휩쓸고 있던 다양한 현대 미술 사조를 접했습니다. 특히 피카소, 마티스 등 당대 최고의 예술가들과 교류하며 예술적 시야를 넓혔습니다.
파리 시절 샤갈은 몽파르나스의 '라 뤼쉬(La Ruche, 벌집)'라는 예술가 집단 거주지에서 생활했습니다. 이곳에서 그는 고향 비테프스크의 기억과 파리에서 얻은 새로운 예술적 영감을 결합하여 자신만의 독특한 화풍을 개발했습니다. "나는 묘화의 대상을 러시아에서 가지고 왔다. 그리고 파리는 그 위에 빛깔을 입혀주었다"는 그의 말은 이 시기를 잘 요약합니다.
벨라와의 운명적 사랑
샤갈의 인생과 예술에서 가장 중요한 인물은 그의 첫 번째 아내 벨라 로젠펠트(Bella Rosenfeld, 1895-1944)입니다. 1909년, 샤갈이 22세였을 때 고향 비테프스크에서 부유한 보석상의 딸이었던 벨라를 처음 만났습니다. 뛰어난 미모와 지성, 교양을 갖춘 벨라를 본 순간 샤갈은 사랑에 빠졌고, 벨라 역시 가난하지만 재능 있는 예술가 샤갈의 가능성을 믿었습니다.
두 사람의 신분 차이 때문에 벨라의 집안은 결혼을 반대했지만, 1915년 7월 25일 그들은 마침내 결혼식을 올렸습니다. 결혼 후 벨라는 샤갈의 평생 뮤즈이자 예술적 동반자가 되었습니다. 샤갈은 "오직 벨라를 통해서만 사랑을 느끼고 행동하고 그림을 그려왔다"고 고백했으며, "인생과 예술의 의미를 주는 유일한 색채는 바로 사랑이라는 색"이라고 말했습니다.
1944년 9월 2일, 벨라가 바이러스 감염으로 갑자기 사망하자 샤갈은 큰 충격에 빠져 9개월 동안 붓을 들지 못했습니다. 벨라의 죽음 이후 샤갈의 작품 색조는 어두워졌고, 특히 푸른색이 많이 등장하게 되는데, 사람들은 이를 '샤갈의 푸른색'이라고 부릅니다.
샤갈 대표작 분석
나와 마을 (I and the Village, 1911)
'나와 마을'은 샤갈의 초기 대표작이자 가장 유명한 작품 중 하나입니다. 1911년 파리에서 제작된 이 작품은 샤갈이 예술적 정점에 도달했음을 보여주는 걸작으로 평가받습니다.
이 작품에서 가장 눈에 띄는 것은 거대한 녹색 얼굴과 염소가 서로 마주 보고 있는 장면입니다. 염소의 머릿속에는 또 다른 작은 소가 그려져 있고, 젖을 짜는 여인의 모습이 보입니다. 화면 위쪽에는 낫을 든 농부가 있고, 그 옆에는 거꾸로 그려진 여인이 있습니다. 낫을 든 농부는 죽음을 상징하고, 거꾸로 그려진 여인은 풍요 또는 남편을 맞이하는 부인으로 해석됩니다.
작품의 구도는 원과 삼각형, 사각형의 기하학적 구성을 통해 평면화되어 있으며, 이는 당시 파리에서 유행하던 큐비즘과 파비즘의 영향을 보여줍니다. 그러나 샤갈은 피카소나 마티스와 달리 훨씬 더 쾌활하고 장식적인 요소를 가진 시골의 낙원을 창조했습니다.
색채는 파란색과 초록색, 노란색이 주를 이루며 생동감 있고 화려합니다. 샤갈은 이 작품을 "내러티브 자화상"이라고 불렀으며, 고향 비테프스크의 농촌 생활, 유대인 마을의 풍경, 어린 시절의 추억을 초현실적으로 표현했습니다.
이 작품은 단순히 고향에 대한 향수를 넘어 당시 유럽 유대인들이 겪고 있던 고난과 희망을 담고 있습니다. 샤갈은 자신의 정체성과 뿌리, 그리고 고향에 대한 사랑을 이 한 폭의 그림에 응축시켰습니다.
생일 (The Birthday, 1915)
'생일'은 샤갈과 벨라의 사랑을 가장 아름답게 표현한 작품입니다. 1915년 7월 7일, 샤갈의 생일이자 벨라와의 결혼식을 열흘 앞둔 날에 제작되었습니다. 벨라가 꽃다발을 들고 샤갈을 찾아와 깜짝 생일 파티를 열어주었고, 샤갈은 그 감동을 즉시 화폭에 담았습니다.
그림 속에서 샤갈은 공중으로 날아올라 몸을 길게 늘어뜨린 채 벨라에게 키스하고 있습니다. 벨라 역시 살짝 공중에 떠오르며 눈을 감고 샤갈의 입술을 찾아갑니다. 이러한 중력을 거스르는 표현은 사랑의 황홀감과 행복을 상징합니다. "창문을 열기만 하면 푸른 공기와 사랑과 꽃들이 그녀와 함께 들어왔다"는 샤갈의 고백처럼, 사랑은 그를 문자 그대로 날아오르게 만들었습니다.
벨라가 입은 검은 드레스의 흰색 옷깃은 두 사람의 순결하고 깨끗한 영혼을 상징하며, 붉은 바닥과 화려한 장식물들은 열정적인 사랑을 포근하게 감싸는 듯합니다. 테이블 위의 꽃다발은 벨라가 가져온 생일 선물이며, 이는 두 사람의 사랑을 축복하는 상징입니다.
샤갈의 날아다니는 모습에 감격한 벨라가 작품 제목을 '생일'로 지었다고 합니다. 이 작품은 제1차 세계대전으로 수많은 사람들이 추위와 굶주림으로 죽어가던 암울한 시기에 그려졌지만, 샤갈은 사랑의 힘으로 그 모든 고난을 초월할 수 있었습니다.
산책 (The Promenade, 1917-1918)
'산책'은 샤갈과 벨라가 결혼한 후 가장 행복했던 시기를 담은 작품입니다. 1917년 10월 혁명 이후 유대인들에게 시민권이 부여되면서 샤갈은 낙천주의적 분위기에 휩싸였고, 이는 작품에 고스란히 반영되었습니다.
그림 속에서 샤갈은 벨라의 손을 꼭 잡고 있으며, 벨라는 바람 속에서 깃발처럼 펄럭이며 하늘 높이 떠올라 있습니다. 샤갈은 한 손을 공중으로 내밀면서 아내를 가까이 잡고 있는데, 이는 사랑하는 사람과 함께할 때의 자유롭고 초월적인 감정을 표현합니다. 두 사람은 중력에 얽매이지 않고 하늘을 날며 서로를 사랑하는 모습으로 그려졌습니다.
배경에는 고향 비테프스크의 풍경이 펼쳐져 있습니다. 집과 자연은 초록색의 농담 변화로 채색되어 있고, 뒤로 보이는 둥근 지붕의 러시아 정교회는 흐릿하게 표현되었습니다. 왼쪽 아래에는 선명한 붉은 천 위에 와인잔이 그려져 있어 축제와 기쁨의 분위기를 더합니다.
'산책'은 두 사람의 행복한 모습이 넘치며, 색채의 마술사로 불리는 샤갈만의 색채와 정서가 잘 드러나는 작품입니다. 강렬한 색상의 대비와 중력을 거스르는 인물 배치는 샤갈 작품의 전형적인 특징을 보여줍니다.
하얀 십자가상 (White Crucifixion, 1938)
'하얀 십자가상'은 샤갈의 작품 중 가장 강렬하고 비평가들로부터 호평을 받은 걸작입니다. 1938년에 제작된 이 작품은 나치의 유대인 박해와 포그롬(Pogrom)의 참상을 십자가에 못 박힌 예수의 수난과 연관시켜 표현했습니다.
그림의 중심에는 흰 십자가에 못 박힌 예수가 있습니다. 예수는 유대인이 기도할 때 걸치는 탈리스(tallis)를 두르고 있으며, 이는 예수를 유대인으로 묘사한 것입니다. 십자가 주변으로는 불타는 회당, 몰려오는 군인들, 아이를 안고 도망가는 어머니, 파괴된 마을, 공포에 질린 사람들, 붉은 깃발을 휘두르는 혁명군 등 유대인 박해의 참상이 독립된 도상으로 배치되어 있습니다.
어둠의 강도를 지닌 하얀 십자가상은 생동감 넘치고 상상력이 풍부한 샤갈의 대부분 작품과는 현저하게 다릅니다. 그러나 십자가에서 뿜어져 나오는 빛은 혼란과 파괴 속에서도 희망과 구원을 상징합니다. 예수는 분노와 오열을 침묵으로 삼키며, 깊은 슬픔과 연민으로 상황을 지켜보고 있습니다.
이 작품은 교황 프란치스코가 가장 좋아하는 그림으로 알려져 있습니다. 교황은 "십자가 처형을 잔혹하지 않고 희망적으로 표현했다. 평정심을 가지고 고통을 묘사했다. 내게는 샤갈이 그린 그림 중 가장 아름답게 보인다"라고 말했습니다. 교황은 샤갈을 '유대인이면서도 예수의 존재를 믿은 사람'으로 설명했습니다.
도시 위에서 (Above the Town, 1918)
'도시 위에서'는 샤갈의 초기 걸작 중 하나로, 1914-1918년 사이에 제작되었습니다. 이 작품은 샤갈과 그의 아내 벨라가 고향 비테프스크 위를 날아가는 모습을 보여줍니다.
그림 속에서 샤갈은 벨라를 꼭 안은 채 하늘 높이 날아오르고 있으며, 한 손을 공중으로 내밀고 있습니다. 두 사람의 몸은 자유롭게 휘어지며 서로를 감싸 안고 있고, 이는 사랑이 지닌 초월적인 힘을 상징합니다. 아래에는 샤갈의 고향 비테프스크의 평화로운 풍경이 그려져 있어 하늘과 대지, 사랑하는 두 인물이 조화롭게 어우러진 분위기를 자아냅니다.
이 작품의 주요 주제는 사랑과 자유입니다. 두 사람이 하늘을 나는 모습은 사랑이 인간을 물리적 제약에서 해방시켜 자유롭고 경이로운 세계로 인도한다는 것을 표현합니다. 샤갈은 현실과 꿈, 그리고 초현실적인 감각을 결합해 독특한 분위기를 자아냈으며, 현실과 초현실이 공존하는 환경을 만들어냈습니다.
작품은 고대 히브리 필사본 삽화의 소박함을 고의적으로 도입한 양식에서 영감을 받은 듯 보입니다. 자연의 색채로 그려진 이 그림은 중력이 느껴지지 않는 상태에서 사랑하는 연인들이 즐거워하며 하늘 위를 떠다니는 것처럼 느껴집니다.
에펠탑의 신랑신부 (Bride and Groom of the Eiffel Tower, 1938-1939)
'에펠탑의 신랑신부'는 샤갈이 아내 벨라와의 사랑을 표현한 대표적인 작품입니다. 1938-1939년에 제작된 이 작품은 장 콕토의 시 제목에서 영감을 받아 제작되었습니다.
그림 속에서 신랑신부는 하늘로 날아오르고 있습니다. 샤갈이 벨라를 꼭 안고 있으며, 그녀의 귓가에 사랑의 말을 속삭이자 벨라의 두 볼에 발그스레 홍조가 번져갑니다. 서로에게 몸을 기대고 있는 두 사람의 표정은 행복으로 가득하고 주변은 사랑이 넘칩니다. 하늘에서는 천사가 내려와 두 사람에게 축복의 꽃다발을 전해주고 있으며, 주변에는 사랑의 찬가가 울려 퍼집니다.
배경에는 에펠탑과 파리의 도시 풍경이 자리 잡고 있어 사랑과 낭만이 가득한 분위기를 연출합니다. 고향 비테브스크는 두 사람의 발아래 따뜻하고 정겨운 시골 마을의 모습으로 등장합니다. 색감은 따뜻하면서도 신비로운 느낌을 주며, 샤갈 특유의 꿈 같은 분위기를 만들어냅니다.
샤갈은 이 그림을 벨라에게 바쳤고 죽을 때까지 간직했습니다. 행복한 결혼 생활은 샤갈의 작품 세계에 큰 영향을 주었으며, 사랑하는 사람과 함께하는 순간이야말로 가장 마법 같은 순간이라는 메시지를 전합니다.
창문을 통해 본 파리 (Paris Through the Window, 1913)
'창문을 통해 본 파리'는 샤갈이 파리에 머무르는 동안 러시아 비테프스크의 집과 삶을 기억하며 그린 작품입니다. 1913년 생애 최고의 시기에 제작된 이 작품은 고향을 바탕으로 한 예술작품 중 하나입니다.
이 유명한 걸작은 두 얼굴의 남자가 창문을 통해 바라본 파리의 시각적으로 눈길을 끄는 스냅샷을 보여줍니다. 창을 통해 파리의 상징적인 에펠탑이 보이고, 러시아에 있는 고향 비테브스크는 스튜디오 안에서 초현실주의적인 방식으로 구름들 사이에 나타납니다. 이 두 이미지를 통해 샤갈은 그림 같은 비테브스크와 현대 파리 사이의 갈등을 극적으로 표현합니다.
프랑스의 수도에 처음 머무르는 동안 만들어진 이 작품은 샤갈이 두 문화 사이에서 느끼는 정체성의 혼란과 동시에 두 세계를 사랑하는 복잡한 감정을 담고 있습니다. 창문이라는 매개를 통해 내부와 외부, 과거와 현재, 고향과 타향이 공존하는 독특한 공간을 창조했습니다.
대형 서커스 (The Grand Circus, 1968)
'대형 서커스'는 샤갈의 서커스 그림 중 가장 뛰어나다고 평가받는 작품입니다. 1968년 샤갈이 81세였을 때 제작되었으며, 흰색과 검은색의 율동적인 패턴의 곡선들이 신비롭고도 엄숙한 분위기를 자아냅니다.
샤갈은 서커스를 사랑했고, "서커스는 새로운 지평선을 향해 나아가는 것을 도왔다"고 말했습니다. 서커스는 그가 파리에서 보낸 초창기 동안 가장 좋아하는 주제 중 하나가 되었고 경력 내내 그렇게 유지되었습니다. 샤갈은 "서커스는 내 인생이다. 그것은 고통과 기쁨"이라고 말했습니다.
작품 속에는 화려한 말을 타고 있는 여자, 돌아다니는 곡예사들, 링을 돌리는 남자 등 인물의 활동을 통해 조성된 분주한 분위기가 넘치며, 관객이 에너지를 느끼고 축제 분위기의 일부가 되게 합니다. 광대와 곡예사의 색채와 행동이 영감을 주었으며, 또 다른 세계를 경험하도록 이끌었습니다.
서커스를 소재로 한 작품들은 환상의 재현이며, 사랑하는 연인, 수탉, 당나귀, 바이올린 연주자, 물고기 같은 샤갈 고유의 이미지들과 광대, 곡예사, 조련사와 동물 등 서커스적 요소들이 서로 결합되고 혼합되어 나타납니다. 광대는 우리 자신을 상징하며, 우리는 무대 위에서 박수를 받으려 애쓰지만 내면에서는 고독과 허무를 견뎌야 합니다. 서커스는 곧 삶의 축소판이자 희로애락의 상징입니다.
샤갈 작품의 예술적 특징
색채의 마술 - 강렬하고 화려한 색감
샤갈은 '색채의 마술사'라는 별명답게 강렬하고 다채로운 색채를 사용하여 자신의 감정과 메시지를 효과적으로 전달했습니다. 그의 작품에서 색은 단순히 사물의 외형을 묘사하는 수단이 아니라, 감정과 분위기를 전달하는 주요 수단이자 이야기를 전달하는 매개체로 작용합니다.
샤갈에게 있어서 주요 색깔은 파랑과 빨강입니다. 파랑은 환상적이고 매력적이어서 평화, 추억, 꿈 등을 연상시키며, 특히 1940년대부터 파란색을 자주 사용했고 스테인드글라스 작품에서도 많이 사용되었습니다. 아내 벨라가 죽은 후 샤갈의 작품에는 슬픔을 표현하는 푸른색이 많이 나타나는데, 사람들은 이를 '샤갈의 푸른색'이라 부릅니다.
빨강은 열정과 사랑, 생명력을 상징합니다. 노란색은 빛과 행복을, 녹색은 행복과 행운을 의미하는데, 유대어로 초록빛은 '행복' 또는 '행운'을 뜻하는 샤갈의 내재적 표현입니다. 샤갈은 자신의 얼굴을 녹색으로 칠하기도 했는데, 신화적으로 볼 때 녹색은 어머니(파란색)와 아버지(노란색)의 혼합이기 때문입니다.
샤갈의 색채는 야수파의 강렬한 원색과 표현주의의 주관적 색채, 그리고 자신만의 독특한 감성이 결합된 결과입니다. 그는 색채를 통해 강렬한 감정의 표현과 시적인 분위기를 창출하며, 관객에게 직접적인 감정적 반응을 유도합니다.
초현실적 구도 - 중력을 거스르는 인물들
샤갈의 작품에서 가장 독특한 특징 중 하나는 중력의 법칙을 거스르는 듯한 인물과 동물의 배치입니다. 그의 캔버스에서는 연인들이 하늘을 날고, 물고기가 바이올린을 켜며, 사람들이 공중에 둥둥 떠다닙니다.
이러한 무중력 상태의 표현은 단순한 환상이 아니라 깊은 상징적 의미를 담고 있습니다. 하늘을 나는 연인은 사랑의 황홀감과 초월적 감정을 나타내며, 공중에 떠 있는 인물은 현실의 제약으로부터의 해방과 정신적 자유를 상징합니다. 샤갈은 사랑과 행복을 느낄 때 "흐르다(flow)"나 "둥둥 뜨다(float)"라는 언어로 표현할 줄 알았고, 이 느낌 그대로를 그림 속에서 유유히 부유하는 모습으로 되살려 놓았습니다.
원근법이나 비례 법칙을 무시한 샤갈의 화법은, 현실의 묘사를 넘어 내면의 감정과 상상력을 표현하는 데 중점을 둔 것입니다. 이는 인상주의까지의 현실 묘사와는 차원이 다른, 세잔이나 고흐가 추구한 의도적인 현실의 왜곡 이상의 것입니다.
상징과 모티프 - 반복되는 이미지들
샤갈의 작품에는 특정한 상징과 모티프가 반복적으로 등장합니다. 소, 염소, 수탉, 닭, 말, 물고기 같은 동물들, 바이올린 연주자, 시계, 장미꽃, 연인, 천사 등이 그것입니다.
암소는 조국과 모성, 사랑하는 연인 등으로 해석되며, 수탉은 남성과 태양, 제물, 또는 고향 비테프스크와 프랑스를 상징합니다. 염소는 유대인의 전통과 희생 제물을 의미하며, 물고기는 종교적 상징과 풍요를 나타냅니다. 바이올린 연주자는 샤갈의 유대인 문화적 뿌리와 고향의 향수를 반영합니다.
이러한 이미지들은 무의식적인 것, 말로 설명할 수 없는 것, 욕망, 두려움 등의 상징성을 띠고 있습니다. 샤갈은 자신의 가족, 연인, 동물들, 시계, 장미꽃, 바이올린 등의 형상과 원근법을 파괴한 공간구성을 통해 자신의 이야기를 전달합니다.
서사성 - 이야기가 있는 그림
샤갈의 작품은 단순한 이미지가 아니라 이야기를 담고 있습니다. 유년기의 추억, 망명생활, 가족의 사랑, 우울한 감정 등을 관객에게 이야기하면서 연극적인 요소를 가지고 있습니다. 그의 그림에서는 이야기 전개를 통해 연극의 대사처럼 메아리칩니다.
샤갈은 고향에서의 접한 신화적인 내용을 바탕으로 환상세계를 꾸려 나갑니다. 그의 환상세계는 초현실주의가 무의식적인 성적 욕망을 토대로 하는 것과 달리, 자신의 삶의 경험을 토대로 하고 있습니다. 자신의 고향마을과 고향에서 접한 신화적인 내용을 바탕으로 한 환상세계를 구축하는 것입니다.
멜로디는 형상이고 리듬은 색채라고 비유한다면, 강함의 인상을 주는 그림(빨강)은 장조의 음악으로, 부드러운 인상의 그림(파랑)을 단조의 음악으로 비교할 수 있습니다. 동물과 대화를 나누는 세계야말로 태초의 낙원의 세계이며, 신비함을 일으키는 색채와 함께 이들 형태들은 성(聖)과 속(俗)의 통합으로 인한 종교적 상징을 강조합니다.
샤갈 작품의 주제별 분류
고향에 대한 향수
샤갈의 작품에서 가장 중요한 주제 중 하나는 고향 비테프스크에 대한 향수입니다. 고향을 떠나 지낸 샤갈이 머무는 곳이 어디든, 그는 그곳에서 이방인의 신분일 수밖에 없었습니다. 그런 그에게 고향에 대한 향수는 예술에 큰 부분을 차지합니다.
'나와 마을'이나 '비테프스크 위의 누드' 같은 작품들은 고향인 비테프스크의 추억을 소재로 합니다. 샤갈은 고향의 시골 마을 풍경, 유대인 공동체, 정교회 교회, 목조 가옥, 농부와 가축 등을 반복적으로 그렸습니다. 이는 단순한 향수를 넘어 자신의 정체성과 뿌리를 확인하는 작업이었습니다.
일생을 전쟁과 사회 격변의 소용돌이를 경험하며, 샤갈은 자신에게 소중한 소박한 환상세계를 그리는 활동을 나름의 도피처로 삼았습니다. 이는 현대 문명이 낳은 전쟁의 파괴성이나 자본주의의 상업성으로부터의 나름의 도피이며, 고갱이 모든 것을 버리고 순수함을 찾아 떠난 것과 다르지 않습니다.
사랑과 행복
아내 벨라와의 사랑도 샤갈 작품 세계에 큰 영향을 미쳤습니다. 벨라와의 행복과 그녀가 죽은 후의 슬픔은 그의 작품에 투영됩니다. '생일'에서는 두 사람의 행복감을 중력을 무시한 모습으로 표현되었습니다.
이 시기에 화려한 색채로 꾸며진 연인들의 모습이 자주 소재로 등장합니다. '산책', '도시 위에서', '에펠탑의 신랑신부' 등에서 샤갈과 벨라는 항상 함께 하늘을 날고 있으며, 이는 사랑이 주는 자유와 초월적 감정을 표현합니다.
샤갈은 "인생과 예술의 의미를 주는 유일한 색채는 바로 사랑이라는 색이다"라고 말했습니다. 가난으로 얼룩진 유년의 기억, 자신을 버린 조국 러시아에 대한 애증, 전쟁의 참혹함, 유대인으로써 겪어야 했던 고통, 오랜 망명생활 등 고난의 세월 속에서도 샤갈의 그림이 빛나는 이유는 사랑하는 아내가 그와 함께 있어서입니다.
종교와 성서
성경의 이야기가 샤갈의 작품세계에 큰 영향을 미쳤습니다. 유대인으로 태어난 그는 고향의 종교적 부흥기에 어린시절을 보냈으며, 이는 그의 예술적 기반이 되었습니다.
샤갈은 '성서'의 삽화작업을 하였으며, '십자가에 못 박힌 하얀 예수' 같은 작품에서 성경 인물을 소재로 그림을 그렸습니다. 이 작품에서 샤갈은 인류 역사 내내 그리고 2차 대전 당시 나치로부터 박해 받은 유대인들의 고통을 그렸습니다.
1930년대부터 샤갈은 '성서 메시지' 연작에 집중했습니다. 창세기, 출애굽기, 다윗왕, 모세, 아가서 등 구약성서의 이야기들을 105점의 작품으로 표현했습니다. 샤갈은 구약성서를 인간의 이야기로 보았고, 성서를 통해 희망과 위안의 메시지를 전달하고자 했습니다.
서커스와 인생
서커스는 샤갈이 평생 사랑한 주제였습니다. 1920년대부터 서커스를 통하여 많은 그의 심중을 이야기하려는데 열중해 왔으며, 서커스는 "내 인생"이라고 말할 정도였습니다.
샤갈은 광대와 곡예사의 색채와 행동이 자신에게 영감을 주었으며 또 다른 세계를 경험하도록 이끌었다고 말합니다. 서커스 단원들은 중력과 평형의 법칙을 초월한 것처럼 보이며, 서커스를 그린 작품에는 하늘과 땅 사이를 날아가는 인물들이 등장합니다.
서커스는 환상, 유쾌함, 웃음, 즐거움으로 대변되는 대중적인 오락거리이지만, 샤갈에게는 희로애락의 상징이자 인생의 축소판이었습니다. 광대의 웃는 얼굴 이면에 담긴 삶의 고단함과 짙은 슬픔이 말해주듯, 그는 서커스를 통해 인간 존재의 드라마를 발견했습니다.
샤갈의 예술적 영향과 유산
초현실주의와의 관계
샤갈은 흔히 초현실주의 화가로 분류되지만, 실제로는 어떤 한 유파에도 확실히 속한 적이 없습니다. 20세기 유럽의 가장 진보적인 흐름을 타면서도 어떤 한 유파에 고정되지 않고 독창성과 일관성을 유지하며 자신만의 환상적이고 독특한 미술 세계를 발전시켰습니다.
샤갈의 환상 세계는 초현실주의와 차이가 있습니다. 초현실주의는 자동기술법을 통해 무의식, 특히 성적 욕망을 표현하는 데 반해, 샤갈은 창작에 있어 의식적 의지를 완전히 놓지 않고 의식적 선택으로 미적 가치를 부여한 결과물을 만들어냈습니다. 또한 샤갈의 환상세계는 무의식적인 성적 욕망이 아니라 자신의 삶의 경험을 토대로 하고 있습니다.
샤갈의 회화양식은 표현주의나 입체파, 추상미술과 같은 1914년 이전의 운동들을 반영하고 있으면서도 독자적인 화풍을 보입니다. 인상파, 입체파, 야수파의 특징들 속에 자기만의 차별화된 화법을 추구하며 초현실주의적 표현을 작품에 담아냈습니다.
현대 미술에 대한 기여
샤갈은 현대 미술사에서 독특한 위치를 차지하고 있습니다. 그의 작품은 당시 유행하던 화풍을 이리저리 섞어놓은 것 같다는 평가를 받기도 했지만, 샤갈은 활동 당시 피카소와 마티스 못지않게 잘나가는 화가였습니다.
샤갈은 입체파의 기하학적 구조, 야수파의 강렬한 색채, 표현주의의 주관적 감정 표현을 자신만의 방식으로 통합했습니다. 그는 러시아 민간 설화, 유대교 전통, 성서 이야기, 개인적 경험 등 다양한 소재를 현대적인 형식으로 표현하는 데 성공했습니다.
샤갈의 영향은 회화뿐만 아니라 스테인드글라스, 무대 디자인, 삽화, 도자기 등 다양한 분야로 확장되었습니다. 그는 예루살렘의 하다사-히브리 대학 의료센터의 스테인드글라스, 파리 오페라극장의 천장화 등 대규모 공공 프로젝트를 성공적으로 완수했습니다.
경매 시장에서의 가치
샤갈의 작품은 현대 미술 시장에서 높은 가치를 인정받고 있습니다. 국내 경매에서 거래된 샤갈 작품 중 최고가는 2021년 케이옥션 경매에서 42억원에 낙찰된 1973년작 '생폴드방스의 정원'입니다. 이 작품은 '이건희 컬렉션'에 포함된 '붉은 꽃다발과 연인들'(1975)과 비슷한 시기에 같은 지역에서 제작된 작품이어서 주목을 받았습니다.
그 이전 국내 최고가 기록은 2019년 11월 서울옥션 홍콩 경매에서 37억6000만원에 낙찰된 '파리의 풍경'이었습니다. 국제 경매 시장에서 샤갈의 서커스 연작은 대체로 150×120cm 내외 크기이며, 일부는 1천만 달러 이상으로 평가됩니다.
최근 고(故) 이건희 삼성전자 회장이 국립현대미술관에 기증한 컬렉션에 샤갈의 '붉은 꽃다발과 연인들'이 포함되면서, 국내에서도 샤갈에 대한 관심이 더욱 높아졌습니다.
주요 전시와 소장처
샤갈의 작품은 전 세계 주요 미술관에 소장되어 있습니다. '나와 마을'은 뉴욕 현대미술관(MoMA)에, '하얀 십자가상'은 시카고 미술관(The Art Institute of Chicago)에, '산책'은 러시아 상트페테르부르크 러시아 박물관에 소장되어 있습니다.
프랑스 니스에는 샤갈 국립미술관(Musée National Marc Chagall)이 있으며, 이곳에는 '성서 메시지' 연작을 포함한 주요 작품들이 전시되어 있습니다. 1973년 샤갈의 86세 생일에 니스 시는 이 미술관을 개관했으며, 샤갈은 1967년 '성서의 메시지' 연작 17점을 프랑스 정부에 기증했습니다.
1946년 뉴욕 현대미술관에서 샤갈이 40여 년 동안 작업한 작품들을 전시하는 대규모 회고전이 열렸으며, 1977년에는 프랑스 정부로부터 레지옹 도뇌르 대십자 훈장을 받았습니다. 샤갈은 생존 화가로 루브르박물관에 작품이 걸리는 영광을 지켜보았습니다.
샤갈 작품 감상 가이드
작품을 볼 때 주목할 점
샤갈의 작품을 감상할 때는 먼저 전체적인 색채의 분위기를 느껴보는 것이 좋습니다. 밝고 화려한 색채는 행복과 사랑을, 어둡고 차가운 색채는 슬픔과 고독을 나타냅니다. 특히 파란색이 지배적인 작품은 벨라가 죽은 후의 슬픔을 담고 있을 가능성이 높습니다.
다음으로 공중에 떠 있거나 날아다니는 인물과 동물을 찾아보세요. 이들은 사랑의 황홀감, 정신적 자유, 현실로부터의 해방을 상징합니다. 연인이 함께 날아다니는 모습은 사랑의 초월적 힘을 나타냅니다.
작품 속에 반복적으로 등장하는 상징들에도 주목하세요. 소, 염소, 수탉, 물고기 같은 동물들, 바이올린 연주자, 시계, 꽃다발 등은 각각 특별한 의미를 담고 있습니다. 이러한 상징들은 샤갈의 개인적 경험과 유대교 전통, 러시아 민간 설화와 연결되어 있습니다.
시대별 작품 변화
샤갈의 작품은 시대에 따라 변화했습니다. 초기(1910-1920년대) 작품은 고향 비테프스크에 대한 향수와 파리에서의 새로운 경험을 결합한 것이 특징입니다. '나와 마을', '창문을 통해 본 파리' 등이 이 시기의 대표작입니다.
중기(1930-1940년대) 작품은 나치의 유대인 박해와 제2차 세계대전의 영향을 받아 어두운 주제를 다룹니다. '하얀 십자가상'이 대표적이며, 이 시기에는 성서적 주제가 많이 등장합니다.
후기(1950-1980년대) 작품은 프랑스 남부 생 폴 드방스에 정착한 후 화려한 색채와 꽃을 주제로 한 작품들이 많습니다. 서커스 연작도 이 시기에 집중적으로 제작되었습니다.
샤갈과 함께 보면 좋은 작가들
샤갈과 동시대에 활동한 작가로는 파블로 피카소, 앙리 마티스, 조지 루오 등이 있습니다. 이들은 모두 파리를 중심으로 활동하며 현대 미술의 발전에 기여했습니다.
러시아 출신 작가들 중에는 칸딘스키, 말레비치 등이 있으며, 이들과 샤갈은 러시아 아방가르드 운동에서 교류했습니다. 특히 말레비치는 샤갈이 교장으로 있던 비테프스크 미술학교에서 함께 일했으나 예술적 견해 차이로 갈등을 빚기도 했습니다.
유대계 화가들 중에는 모딜리아니, 수틴, 키슬링 등이 '파리파(Ecole de Paris)'를 형성했으며, 샤갈도 이 그룹의 일원이었습니다. 이들은 파리에서 활동하며 각자의 독특한 화풍을 발전시켰습니다.
샤갈 대표작 비교표
샤갈이 남긴 메시지
마르크 샤갈은 98년의 긴 생애 동안 두 차례의 세계대전, 러시아 혁명, 유대인 박해, 망명 생활 등 역사의 격랑을 겪었습니다. 그러나 그는 이 모든 고난 속에서도 사랑과 희망, 아름다움에 대한 믿음을 잃지 않았습니다.
샤갈의 작품은 "인생과 예술의 의미를 주는 유일한 색채는 바로 사랑이라는 색"이라는 그의 말처럼, 사랑의 힘을 증명합니다. 중력을 거스르고 날아오르는 연인들, 화려한 색채로 가득 찬 캔버스, 환상적이면서도 따뜻한 이미지들은 고난의 시대를 살아가는 사람들에게 위안과 희망을 전해줍니다.
샤갈은 화려한 색채와 기교 없는 단순한 화법으로 자신만의 세계를 표현했습니다. 인간성이 상실된 참혹한 세계에서 나름의 치유 방법으로써, 동화적, 상상적, 낭만적 세계를 자신만의 독특한 방식으로 펼쳐냈습니다. 추악한 현실보다 영속적인 자신만의 세계를 표현함으로써 예술의 목적을 달성하고자 했습니다.
샤갈의 그림을 오랫동안 바라보고 있으면 무엇인지 모를 신비로운 안도감이 느껴집니다. 이는 샤갈이 꿈, 그리움, 사랑 등 가장 기본적인 감정을 캔버스 위에 환상적으로 펼쳐 두었기 때문입니다. 그의 작품은 시대를 초월하여 보는 이들에게 깊은 감동을 전해주며, 21세기를 살아가는 우리에게도 여전히 유효한 메시지를 담고 있습니다.
1985년 3월 28일, 97세의 나이로 프랑스 생 폴 드 방스에서 생을 마감한 샤갈은, 자신의 침대에서 평화롭게 눈을 감았습니다. 집시 여자가 예언했던 "죽음이 그를 데려가려 하지만 그의 발을 붙잡지 못할 것"이라는 말처럼, 샤갈은 그림 속 인물들처럼 '하늘을 날며' 살았습니다. 그가 남긴 약 10,000점의 작품들은 오늘날에도 전 세계 사람들에게 사랑과 희망의 메시지를 전하고 있습니다.